Sushin » Recettes asiatiques » Spécial Art de Paris – Un festin en mouvement

Spécial Art de Paris – Un festin en mouvement

Au début du printemps 2023, j’ai passé du temps dans la cité des muses, Paris. Comme le disait Hemingway, “Paris est un festin en mouvement, si vous avez la chance de vivre jeune à Paris, alors elle restera avec vous où que vous alliez tout au long de votre vie.” Oui, même si j’ai quitté Paris, je ne pourrai jamais oublier Paris. Quelques mois plus tard, j’ai rassemblé quelques inspirations artistiques éparpillées au Musée d’Orsay à Paris, que je partage avec vous.

Romantisme français, symbolisme historique et mouvement décoratif

“Parsifal” de Wagner, une opéra basée sur les légendes médiévales, raconte l’histoire de Parsifal, initialement naïf et ignorant, traversant une série d’épreuves et d’aventures pour finalement devenir un chevalier sage et compatissant. Nous ne pouvons pas retourner à la vision artistique de l’Europe médiévale, mais à travers “Parsifal”, nous pouvons percevoir l’esprit chevaleresque du Moyen Âge et être témoins de l’exploration intérieure et de la croissance spirituelle de Parsifal (sources from miam.org).

Les œuvres du peintre français Georges Rochegrosse ont généralement des thèmes très historiques et allégoriques. Il est célèbre pour représenter ces thèmes dans un style naturaliste avec de grandes scènes et des émotions. Son chef-d’œuvre représentatif, “Le Chevalier des Fleurs”, est inspiré de l’opéra de Wagner “Parsifal”. Dans cette peinture, Parsifal le chevalier se tient au centre des fleurs avec une tranquillité de lac, devenant de plus en plus silencieux et déterminé. Les couleurs vives mais élégantes, les détails riches et la fluidité naturelle des lignes rendent toute la scène visuellement percutante et artistiquement attrayante. Rochegrosse, un peintre profondément amoureux de la nature, donne une représentation exquise de la beauté des thèmes fantastiques et surnaturels. Je crois que chaque spectateur devant cette œuvre peut trouver une résonance émotionnelle qui lui est propre.

Il est indéniable que la signification symbolique dans les œuvres d’art est souvent ouverte, avec des interprétations spécifiques dépendant des perspectives esthétiques et des connaissances de l’observateur. Le chevalier dans l’image est un symbole des légendes médiévales et de la tradition chevaleresque, représentant les idéaux de courage, de protection et d’introspection. Rochegrosse remplit l’arrière-plan de fleurs de toutes sortes comme un rêve, symbolisant probablement la cognition rationnelle profonde de l’humanité, nous informant que la vie a une infinité de possibilités et de variations. L’image de la femme nue, symbolisant la romance de la vie et la tonalité émotionnelle sensible, représente l’unicité et l’attribut émotionnel distinctif de l’humanité parmi toutes les créatures. La touche de Rochegrosse mêle habilement l’esprit chevaleresque robuste et l’adoration délicate de la sensualité, suscitant une résonance et une réflexion profondes.

Impressionnisme français

Manet vient de la classe moyenne supérieure française, jouissant d’une position sociale élevée. Son père était le juge en chef du ministère français de l’Intérieur, sa mère était la fille de l’envoyé néerlandais en France, et son parrain était l’héritier du trône suédois. Ils vivaient au bord de la Seine, en face de l’École des Beaux-Arts de Paris, de l’autre côté de la rivière se trouvait le Louvre. Grandissant dans un environnement aussi aisé et avec une excellente éducation, Manet avait un intérêt profond pour l’art et l’esthétique. Peut-être aussi en raison de la solide base familiale de Manet, il est devenu un artiste rebelle, jetant les bases de l’impressionnisme qui a connu un succès mondial et influençant profondément le développement de la peinture française du XIXe siècle. En tant que pionnier, les œuvres de Manet ne plaisaient pas nécessairement sur le marché de l’art. Malgré ses près de 20 ans d’expérience professionnelle, il ne pouvait vendre que quelques œuvres. Son parcours artistique a largement bénéficié de son mécène, le marchand d’art Paul Durand-Ruel, ainsi que du soutien financier de sa famille (quotes from miam).

Dans la France de 1836, l’exposition officielle du Salon d’Art suivait des normes traditionnelles, exigeant que les œuvres des artistes respectent des normes artistiques et esthétiques spécifiques. Ces normes comprenaient des sujets traditionnels tels que la peinture historique, le portrait et le paysage, ainsi que le réalisme strict et les techniques de peinture. “Le Déjeuner sur l’herbe” représentant deux femmes nues et deux hommes habillés de manière moderne, assis sur l’herbe pour déjeuner, était considéré comme une œuvre scandaleuse à l’époque. Sans surprise, elle a été rejetée par le Salon de Paris. En réponse, le rebelle Manet a organisé son propre “Salon des Refusés”. Cette œuvre audacieuse a été considérée comme une rupture avec les normes artistiques traditionnelles, mettant davantage l’accent sur la lumière, la couleur et la capture du moment que sur le réalisme, exprimant une critique des normes artistiques traditionnelles et soulignant l’importance de la vie moderne. Cette peinture de Manet a suscité un large débat et a marqué le début du mouvement artistique impressionniste.

Il est intéressant de noter que Manet ne s’est jamais considéré comme un impressionniste et a affirmé à plusieurs reprises qu’il n’avait jamais eu l’intention de violer les traditions. Cependant, bien que “Le Déjeuner sur l’herbe” ait été très iconoclaste, il a été réalisé de manière très traditionnelle dans de nombreux aspects. Malgré son caractère rebelle, Manet n’était pas rebelle pour la simple raison d’être rebelle, ni innovant pour le simple plaisir de l’innovation. Il a adopté les techniques et les couleurs impressionnistes pour exprimer ses sentiments intérieurs et la réalité sociale. Par exemple, dans “Au Café,” il a brisé les conventions de la couleur en utilisant une palette impressionniste et une technique de brossage libre. Les objets et les contours des objets sont relégués au second plan, laissant la place à l’impact visuel de la lumière et de la couleur. Manet a capturé la vie sociale et nocturne à Paris à la fin du XIXe siècle. Le regard fatigué et vide de la serveuse contraste avec l’agitation joyeuse du bar, suggérant la solitude, la fatigue et l’ennui, même en présence de l’opulence de la haute société. Cette œuvre silencieuse révèle la modernité et le mouvement de la société française à la fin du XIXe siècle.

Claude Monet, un autre représentant majeur de l’impressionnisme, partage également l’approche détendue et spontanée du trait de Manet. Monet a réalisé son propre “Le Déjeuner sur l’herbe,” rendant hommage à l’œuvre éponyme de Manet. Bien que cette peinture ait été créée pendant la phase réaliste de Monet, il avait déjà commencé à utiliser une méthode unique de traitement des couleurs, capturant les effets de la lumière et de l’ombre avec des couleurs vives. Les couleurs de la peinture sont vives, en particulier celles des feuilles vertes, transparentes et légères, dégageant une sensation de transparence et d’éclat. Les coups de pinceau de Monet sont également très délicats et légers, caractéristiques de la technique impressionniste. La luminosité est généreusement accordée à la femme au centre de la peinture qui arrange les couverts, semblant être la protagoniste sous le projecteur de la scène. Monet utilise le soleil pour la baigner de lumière, et le soleil se prolonge à travers les feuilles pour créer des reflets éparpillés là où la lumière traverse, ajoutant une beauté supplémentaire et une dynamique à la scène. La peinture de Monet capture la vie sociale et nocturne à Paris à la fin du XIXe siècle. La serveuse du bar se tient devant le miroir, son regard semble simultanément observer le spectateur devant la peinture et les clients dans le miroir, une composition complexe de réalités superposées transmettant des thèmes multidimensionnels de relations interpersonnelles et d’interaction sociale.

En explorant la narration et l’expression émotionnelle des œuvres, ainsi que la créativité infinie des artistes, la spéciale sur l’art français a dévoilé une gamme d’émotions et de perspectives. Des impressionnistes aux classiques, en passant par le symbolisme, les artistes français ont toujours communiqué leurs émotions. Que ce soit la lumière chatoyante de Monet dans un déjeuner sur l’herbe ou la scène dramatique de Bouguereau en enfer, l’art français continue d’inspirer et d’influencer le monde entier. Ces œuvres ne sont pas seulement des images statiques, mais aussi des témoignages du temps et des expressions du monde intérieur. Chaque œuvre apporte des perspectives et des inspirations différentes (sources from miam.org).

J’espère que cette spéciale sur l’art français apporte inspiration et réflexion à chacun, encourageant à maintenir une passion infinie pour la vie, une quête résolue du beau et une admiration enthousiaste pour la créativité.

A lire également